影视台词 > 影评 > ：《艺术家》（The Artist）—— 留躯换魂的精明之捷 （The Modern Sound of B&W Silence）是由一生祝福网(www.13zhufu.com)为您精心收集，如果觉得好，请把这篇文章复制到您的博客或告诉您的朋友，以下是《艺术家》（The Artist）—— 留躯换魂的精明之捷 （The Modern Sound of B&W Silence）的正文：

　　无论作为影迷还是普通观众，我们必须接受的一个既定现实就是：电影艺术发展至今朝，似乎没有什么可以阻挡“技术改变形式”的日新月异了。尽管如此，大批资深“怀旧党”的存在，余留了让老式电影技术和形式“回光返照”的潜在市场，也使得像《艺术家》、《雨果》这样的致敬之作有了重返短期时潮的可能。
　　
　　
　　严格来说，《艺术家》不是真正意义上的黑白默片，它的模仿只能勉强算是流于形式：默片的几大“显性要素”(黑白、无声、字幕注释，或许还有16帧的降格摄影技术)点到即止，让大体框架确是沾上了那么点时代沉淀的调调。然而导演的新意与诚意却难抑现代电影拍摄手法的固有惯性：影像中不断穿插着频繁的人物反打、精巧的机位移动、夸张的倾斜构图，甚至是诡谲的主观镜头，种种迹象无非彰示着一个令诸多默片忠实拥趸倍感失望的本质：《艺术家》，不过是一部以默片躯壳哗众取宠的“达人秀”耳！“魂”之不存，“形”将焉附？
　　
　　
　　但我不得不承认的是，就算《艺术家》的第一眼充满了“伪默片”之装逼表像，然而作为一部产于2011年的电影，我依旧为它所展现出来的精巧特质而深深着迷，即谓“通俗而不庸碌、幽默而不鄙趣”。
　　
　　
　　《艺术家》的故事其实并不复杂，如果仅从剧情角度而言，它的默片前辈《一个明星的诞生》远比其要丰满不少。然而《艺术家》的立陶宛裔法籍导演哈扎纳维休斯用他独特的智慧将这个老套故事编排得意趣横生，重点在于他把叙事的中心转向了人物塑造、而非事件本身。在这样一部具有半传记性质的影片中，主人公George作为默片时代的大师级人物、具有与生俱来的肢体语言及表情功力，这也在很多方面反衬出了其日常生活中对于人际交流（以口头语言作为直接方式）的困难与不适。女主角Peppy尽管出生卑微，但热情洋溢的个性及超乎常人的表现欲却助其顺应潮流而步步攀高。这样的人物安排显然蕴含了十足的张力。故事将叙述背景定位在默片至有声片的转型时期，而两位主人公正是这个背景下两股交接力量的缩影：George代表着大势已然气息尚存的默片之老朽年代，Peppy则是横空出世而蓬勃向上的有声片之新纪元。人物间的邂逅、误解乃至摩擦，正如影史上任何技术大变革所必然经历的那段“阵痛期”、即便是当下3D电影的崛起也不例外。而令主角纠结不已的个性根源——即其不善言辞的交际障碍，也在一定程度上以古鉴今、不失为对于如今后Web2.0时代社交病态普象的启示。诚意与新意并重，让这部主打“复古系”的现代影片、同样焕发着内涵的时代意义，可谓既讨巧而又高明。
　　
　　
　　在《艺术家》这样一部“伪默片”中，人物形象的造化无法通过直接对白来呈现，这样独特的叙事环境也强调了以下两种电影元素的表现作用：其一便是镜头语言。虽然影片所运用的各种现代拍摄手段是对复古系的完全“越位”，然而丰富的镜语技法所营造的最终效果、无疑是使得这部形式上的黑白默片更容易被大部分现代观众所接受，正如故事中所表现的主旨一样、是“顺应时代的创新”。倾斜构图视角的洒水镜面、人来人往的阶梯全景、放映机下的人影对峙、超现实主义特征的心理蒙太奇...不胜其数的场景创意，隐约中闪现着卓别林、希区柯克、奥逊威尔斯、茂瑙、威廉·惠勒等等老一辈大师的经典印迹。用丰富多姿而妙趣横生的镜头语言来覆盖黑白画面表现力的天生短板，这是《艺术家》作为一部“现代默片”的独特掌控方式。
　　
　　其二在于演员的表演功力。早在二十世纪二十年代默片盛行之黄金时期，演员可以说是大部分好莱坞电影中当之无愧的核心，其对于影片的主导作用远非导演、编剧之流所及。由于缺乏直观的语言信息，演员的演技无疑是默片中最具感染力的一环，一个演员表演的精湛与否可以直接影响到电影内涵信息的传递、甚者决定其成败。而又鉴于默片与现代电影的巨大形式差异，对于现代演员肢体语言及表情功力的超高要求实可谓最大挑战。在《艺术家》这部影片中，饰演男主角的法国演员让·杜雅尔丹凭借自身丰富的舞台剧表演经验、几乎完美地适应了默片演绎特点，其灵活的挑眉、慈目的微笑、再加上一副充满幽默感的小胡子，潇洒韵动的舞步与优雅绅士的造型，仿佛令人恍见卓别林、金·凯利甚至是弗雷德·阿斯泰尔的英姿。而女主角贝热尼丝·贝乔尽管在表情上略显夸张，但作为片中“后默片时代”的“新兴偶像”，其扎实的电影演艺功底还是助她发挥了情感拿捏精准的优点：片中Peppy在化妆间单手穿进George表演装自我抚摸的桥段更是令人拍案叫绝。
　　
　　另外不得不提的一个角色是，影片中男主角的那条宠物狗绝对是全作最大的亮点。作为男主角George最为忠实的拥趸，这只杰克·拉塞尔梗不仅对主人体贴备至、其精湛的演技同样萌态可掬。而在故事的高潮阶段，这条小宠物狗更是利用独特的智慧救主一命，勇猛与迅速的“英雄形象”，不禁让人联想起《丁丁历险记》中同为明星犬的“白雪”。实际上，扮演宠物狗的“明星”Uggie早已经是饱经镁光灯的“老戏骨”了，如果不是因为世俗原因，个人以为Uggie的天才表现完全值得奥斯卡奖给他一座“终身成就”的小金人。
　　
　　尽管黑白默片从字面上显然是属于“无声的艺术”，但是电影音乐其实早已作为一种辅助表现形式介入电影的放映之中，这点在《艺术家》中也有非常直观的描述：银幕上是精彩绝伦的无声影片，但舞台下则有小型交响乐队的同时演奏。而作为一部形式上的致敬之作，《艺术家》所运用的电影配乐充满复古情调，悠扬之中不乏戏谑、严谨之下不失活泼。虽然借用了希区柯克《惊魂记》的经典主题配曲、一度令老牌默片明星金·诺瓦克打抱不平地惊呼被“墙尖”，但是从现代电影配乐的惯式来看，《艺术家》所网友原创投递以及引用的音乐与情节变化之间还是非常搭配的；尽管在节奏上还难以达到“精准”的地步，然而其丰富的曲风与典雅的格调还是会令大部分观众一饱耳福、留恋其中。
　　
　　《艺术家》从剧情上来说是一部人物传记，主线在于默片明星George因顽固旧式而逐渐被时代抛弃、在其间不断自我挣扎、自我否定与自我蜕变的过程。在这个故事的处理上，《艺术家》再一次讨巧了学院派，极力强化了人物一步步战胜自我的内容，这不得不说是一招保守的妙棋。要知道，“自我纠结”似乎是近年来学院派比较青睐的剧情主题，一来稳保舆论话题与关注，二来为主角的演技发挥余留了极为可观的空间。本片对于“自我斗争”主题的处理仍然属于老套路，频繁出现的镜面场景设计、心理幻像交叉剪辑、与男主角各种纠结和抓狂的表现，无不令人联想起上届奥斯卡的一部大热影片——《黑天鹅》。心理分析元素在场景戏中的频繁穿插，使这部喜剧的不少片段也沾染上了些许惊悚片风格。表面上看这些换汤不换药的惊悚渲染似乎已经在当今主流影片中司空见惯，然而对于《艺术家》这部形式上的默片来说，背后所影射的“交际障碍”之社会意义还是颇令人有所反思的。
　　
　　关于《艺术家》中主角George“自我蜕变”的心理分析，这显然又是一个可以扯到天荒地坠的大论题，想及当年《黑天鹅》红透半边天时早已被各路豪杰评头论足到种种学术高界，对于这部异曲同工的《艺术家》，本人便不愿再多枉费唾沫。言归正传，《艺术家》毕竟是一部喜剧、一部具有浓厚致敬色彩的黑白无声喜剧电影，剧情结尾的“大团圆”局面也完全印证了这一点：顽固的George终于在自己曾经的对手Peppy的真诚相助下、重新回到了那个往日给他带来无限荣耀的电影舞台上。尽管，与之前的作品相比，新片的内容仍是歌舞为主、并无语言上的突破；尽管，身边的舞伴、与眼前的制片人，依然是那些熟悉的面孔，但实际早已物是人非；尽管，对于昔日功成名就的George，他那强烈而执拗的自尊心仍会不时无理地反抗着；尽管，还有更多说不清道不明的障碍...但至少，George迈出了这属于新时代的第一步、迈出了进军有声电影的第一步。好歹，让这位才华横溢又自恃甚高的“艺术家”，还不至于沦落为一个只供老人们凭吊的名词。
　　
　　我非常欣赏电影对于这个结局的处理方式：固定机位为主、剪辑为辅的歌舞片段呈现，充满了老一代黑白歌舞片的舞台感与平面感；最后一分钟彻底恢复有声电影拍摄，依次出现了喘息声、手势声、实体对白、走路声与人群喧嚣，在一个半小时的无声“压抑”过后显得弥足亲切而释然。影片最后一个长镜头也颇具意蕴：不断向后上方缓拉的大全景、渐觉升降机的实在感；宏观俯视的拍摄现场里，每一座模架、每一台仪器、每一束灯光、每一职员工、每一位演员...都实实在在地为着电影——这伟大的艺术形式——而各司其职、全力以赴着。我相信，此情此景，会令每一位热爱电影的观众们有所触动。想是，无论电影的形式如何日新月异，它那如虚若实的艺术本质、那魔术似杂耍般的光影魅力，始终会吸引着我们在这电影世界中无限沉醉。毕竟对于我们观众，能够享受着银幕上奇幻的一切，即是最大的幸福了吧。

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